EXISTIR EN UN ESTADO DE RADICAL ATENCIÓN

El gesto pictórico y escultórico de Diana de Solares se basa en la simple pero compleja fórmula del hallazgo. Un encuentro fortuito con materiales que recoge y conserva durante años en su estudio, a la espera de formar parte de una composición más grande que les dé una segunda vida. Esta práctica es el punto de partida de su trabajo, que contiene una profunda investigación sobre lo que significa habitar el mundo y prestar atención a él. Para esta exposición, el recorrido parte de la experiencia física del espectador ante el mundo interior creado por la artista. Un mundo que se nos presenta como una jungla de concreto o un jardín de ruinas, en el que entes nos invitan a pensar en aquellas formas que componen el paisaje y su memoria.

Las obras de Diana son más que estudios de color y composición, y se enfocan en las historias de sus materiales y su procedencia.

Su trabajo es autobiográfico y está especialmente situado: las formas y los colores hablan de Guatemala, sus casas, buses, calles e historia. En ese sentido, el jardín seco de clavos del centro de la sala podría relatar de alguna manera la historia de la construcción de Antigua Guatemala, donde Reside la artista, al mismo tiempo que revela el manejo formal y estético que guía intuitivamente sus decisiones.

Hay una clara intención de Diana por expandir el campo de lo que puede ser una escultura, un dibujo y una forma geométrica. Sus pinturas ponen en tensión dos volcanes que se respiran mutuamente, y esas relaciones inesperadas habitan también en los entes de pie, construidos con escombros recopilados, algunos cubiertos por una nueva piel de cintas de zapatos teñidas con color. Estos conforman un desfile de naturalezas o flores que pone en tensión qué entendemos por una forma orgánica y natural.

La tradición geométrica del arte moderno está presente en esta exploración. Pero Diana amplía sus posibilidades al incorporar el desgaste, el accidente y la línea encontrada, introduciendo la pregunta: ¿qué cambia en nuestra idea de geometría cuando una línea conserva las deformaciones de su uso anterior? La geometría se sitúa así en un territorio concreto donde la línea encontrada introduce en la composición una historia que la artista no controla por completo. Su curva es también una huella: algo la sostuvo, la dobló y después fue desechada. La geometría adquiere así un espesor temporal, donde cada forma reúne lo que fue y aquello que todavía puede llegar a ser. Ordenar un mundo fragmentado implica entonces hacerle un lugar a sus heridas.

Su relación con la arquitectura, a partir de sus estudios, está presente en su manera de agrupar, ordenar y crear estructuras. El lenguaje arquitectónico aparece en la precisión del trazo de la pintura y en la inquietud obsesiva de ordenar un mundo fragmentado para que cobre sentido. Los ensamblajes tampoco son ajenos a este universo material: se trata de composiciones a partir de fragmentos que arman combinaciones inesperadas para expandir qué puede ser un color o un objeto cuando se enfrenta con otro.

Tras más de veinte años de carrera, las experimentaciones de la artista se mantienen vigentes porque las posibilidades de relación entre las formas son infinitas, mientras que el trabajo aporta una forma sensible de acercarnos a un mundo en ruinas. Ante las imágenes de guerra que nos atraviesan día a día, encontramos en estas obras una pregunta que también nos concierne: ¿cómo habitar un mundo de escombros y qué relaciones podemos construir entre sus fragmentos?

Esta nueva exposición reúne múltiples licencias experimentales y una amplia madurez estética en la que el jardín de la ruina nos adentra en un mundo oxidado, donde podemos reflejarnos en piezas que conservan una historia anterior a su existencia como obras. Se puede ser ruina, ser jardín, ser forma al mismo tiempo, siempre y cuando mantengamos un estado de radical atención hacia el mundo.

Por:

Josseline Pinto